Einführung

Herzlich willkommen in der Cinematography Masterclass! In dieser Masterclass werdet ihr lernen, was Cinematography ist, wozu sie dient und wie ihr sie gezielt einsetzen könnt. Die Masterclass umfasst eine Vielzahl von Quellen sowie persönliche Erfahrungen.

Wie in jeder Kunst gibt es auch in der Cinematography keine festgelegten Regeln oder ein absolutes Richtig oder Falsch. Dennoch lassen sich Muster erkennen, auf die sich die Kunst des Bewegtbildes stützt. In den kommenden Beiträgen werde ich genauer auf einige dieser Muster bzw. "Regeln" eingehen.

Das Ziel dieses Guides ist es, euch eine Einführung und eine Art Leitfaden zu bieten. Denn es braucht Jahre und viel praktische Erfahrung, um die Bildsprache wirklich zu verstehen und ein Gespür dafür zu entwickeln. Dieser Guide soll euch dabei helfen.

Viel Spaß!

Cinematography

Cinematography, auch bekannt als Kameraarbeit oder Bildgestaltung, bezieht sich auf die Kunst und Technik der visuellen Darstellung von Geschichten auf Film oder digitalen Medien. Dies umfasst die Auswahl und Platzierung der Kameras, die Wahl der Objektive, die Beleuchtung, die Komposition der Bilder und die Bewegung der Kamera, um eine bestimmte ästhetische Wirkung zu erzielen.

Der/die/das Cinematographer (auch Director of Photography oder Kameramann/Kamerafrau genannt) ist für die Umsetzung der visuellen Vision des Regisseurs verantwortlich. Sie arbeiten eng mit dem Regisseur zusammen, um den gewünschten Stil, die Atmosphäre und die emotionale Wirkung einer Szene zu erfassen. Die Cinematography beeinflusst maßgeblich die Stimmung, den Rhythmus und die Narration eines Films.

Ein erfahrener Cinematographer berücksichtigt Faktoren wie Kamerabewegung, Bildkomposition, Farbpalette, Kontraste und Beleuchtung, um eine visuelle Sprache zu schaffen, die die Geschichte unterstützt und die Zuschauer in die Handlung eintauchen lässt. Cinematography ist daher ein entscheidender Aspekt der Filmproduktion und trägt maßgeblich zur künstlerischen und emotionalen Wirkung eines Films bei.

Kamera

Was kann die Cinematography / Position der Kamera?

Das Publikum nimmt im Film in der Regel eine beobachtende Position ein. Diese Rolle hängt jedoch stark von der Art und Weise ab, wie die Kamera eingesetzt wird. Die Bildsprache kann bestimmen, wer das Publikum im Film repräsentiert und wie viel es über die Handlung weiß. Darüber hinaus kann die Position und Bewegung der Kamera Spannung, Dynamik und Emotionen erzeugen.

Im folgenden Abschnitt werde ich die aus meiner Sicht wichtigsten Funktionen der Bildsprache vorstellen. Dazu habe ich einige einfache Szenen entworfen. Beachtet bitte, wie allein die Position der Kamera das Empfinden derselben Szene beeinflusst.

Im Film wird generell mit den voyeuristischen Gefühlen des Menschen gespielt, da das Publikum stets eine beobachtende Position einnimmt. Dadurch kann es trotzdem, mehr oder weniger risikofrei, dem Geschehen von außen folgen.

Mehr zu Gefühlen und Emotionen im Film findest du im Storytelling Masterclass.

Ich hoffe, dass diese Beispiele deutlich gemacht haben, welche Möglichkeiten die Bildsprache bietet. Natürlich sind dies nur einige wenige Beispiele von vielen, aber sie verdeutlichen anschaulich, wie die Cinematographie Szenen unterstützt und dem Publikum dabei hilft, sich in die Geschichte einzufühlen und eine emotionale Bindung herzustellen.

Teste dich selbst

Schau dir den folgenden Clip aus Tarantinos Pulp Fiction an und stelle dir dabei folgende Fragen:

• Welche Rolle nehme ich in der Szene ein?
• Welches Gefühl wird durch die Kameraposition in mir ausgelöst?
• Welchen Effekt hätte eine andere Kameraposition, zum Beispiel vom Nachbartisch aus?

Und denke daran: Es gibt kein richtig oder falsch, da jeder Mensch unterschiedlich empfindet.

Framing VS. Komposition

Framing und Komposition sind zwei Begriffe, die eng miteinander verbunden sind, aber dennoch unterschiedliche Aspekte der Bildgestaltung im Film darstellen.

Framing bezieht sich auf die Platzierung und den Zuschnitt der Elemente innerhalb des Bildrahmens. Es beinhaltet die Entscheidung, was im Bild enthalten ist und wie es angeordnet ist. Das Framing legt fest, welche Elemente im Vordergrund stehen und wie sie zueinander in Beziehung stehen. Es betrifft die Wahl der Kameraeinstellung, des Bildausschnitts und der Perspektive, um die gewünschte Wirkung zu erzielen.

Komposition hingegen bezieht sich auf die Art und Weise, wie diese Elemente innerhalb des Rahmens angeordnet sind. Es umfasst die Gestaltung von Linien, Formen, Farben und Texturen, um ein harmonisches und ästhetisch ansprechendes Bild zu schaffen. Die Komposition betrifft die Platzierung der Elemente im Verhältnis zueinander und die Schaffung einer visuellen Balance.

Mit anderen Worten: Das Framing befasst sich mit dem, was im Bild gezeigt wird, während die Komposition sich darauf konzentriert, wie diese Elemente angeordnet sind, um eine ästhetisch ansprechende und wirkungsvolle Darstellung zu erzeugen.

Framing

Einstellungsgröße

Einstellungsgrößen im Film beziehen sich auf die unterschiedlichen Kamerapositionen und Bildausschnitte, mit denen die Akteure oder Objekte aufgenommen werden. Sie dienen dazu, den Fokus und die Intensität einer Szene zu steuern und die emotionale Wirkung auf das Publikum zu beeinflussen.

Blickwinkel / Perspektive

Nachdem wir nun wissen, wie wir unsere Figur im Bild positionieren möchten, stellt sich die Frage nach dem Blickwinkel, aus dem wir die Figur zeigen wollen. Dabei gibt es verschiedene Möglichkeiten. Es gibt insgesamt mehr als sechs verschiedene Perspektiven, die jeweils einem unterschiedlichen Zweck dienen.

Motivated Camera Movement

Eine bewegte Kamera im Film sollte stets ein Ziel verfolgen. Sie sollte dem Publikum zusätzliche Informationen vermitteln oder Gefühle und Emotionen erzeugen. Kurz gesagt, sie sollte immer motiviert sein und die erzählte Geschichte unterstützen. Wenn sie gut eingesetzt wird, kann sie beispielsweise Informationen im Bild enthüllen oder verbergen, Spannung erzeugen, Trauer ausdrücken oder die Emotionen der Figur verstärken.

Komposition

Vorteile der Rule of Thirds im Film:

1. Ausgewogene Komposition: Die Verwendung der Rule of Thirds hilft, eine ausgewogene und harmonische Komposition im Bild zu erreichen. Indem wichtige Elemente entlang der Linien oder an den Schnittpunkten platziert werden, entsteht ein visuell ansprechendes Bild.

2. Fokus auf Schlüsselelemente: Durch das Platzieren von Schlüsselelementen entlang der Linien oder an den Schnittpunkten wird die Aufmerksamkeit des Betrachters gezielt gelenkt und wichtige visuelle Informationen können betont werden.

3. Natürliche Bildanordnung: Die Rule of Thirds orientiert sich an der Art und Weise, wie wir natürlicherweise visuelle Elemente betrachten. Dies führt zu einer natürlichen und intuitiven Bildanordnung, die dem Betrachter vertraut erscheint.

Nachteile der Rule of Thirds im Film:

1. Eingeschränkte Kreativität: Die strikte Anwendung der Rule of Thirds kann zu einer gewissen Vorhersehbarkeit in der Bildkomposition führen. Dies kann dazu führen, dass das Bild weniger originell oder kreativ wirkt.

2. Beschränkte Anwendung: Obwohl die Rule of Thirds in vielen Fällen effektiv ist, kann es Situationen geben, in denen eine andere Kompositionsregel oder eine abweichende Platzierung der Elemente im Bild besser geeignet ist, um eine bestimmte Stimmung oder Botschaft zu vermitteln.

Talking Room / Lead Room

Der Talking Room oder Leading Room im Film bezieht sich auf die Komposition und Platzierung von Figuren innerhalb des Bildrahmens in einer Dialogszene. Es bezieht sich speziell auf den Raum oder die Richtung, in die eine Figur im Bildraum schaut oder sich bewegt.

Der Talking Room bezieht sich auf den Raum, der vor einer Figur im Bild liegt. Wenn eine Figur im Bildrahmen nach rechts schaut, wird links von ihr ein scheinbar leerer Raum gelassen. Umgekehrt, wenn eine Figur nach links schaut, ist rechts von ihr ein leerer Raum im Bild.

Der Leading Room hingegen bezieht sich auf den Raum, in den eine Figur im Bild blickt. Es ist der Raum, der sich vor der Figur öffnet. Es wird oft verwendet, um einen visuellen Kontext herzustellen und dem Publikum zu zeigen, worauf die Figur ihre Aufmerksamkeit richtet.

Diese Techniken dienen dazu, dem Betrachter eine natürliche räumliche Orientierung zu geben und eine visuelle Balance im Bildraum zu schaffen. Durch die Verwendung von Talking Room und Leading Room kann eine Szene visuell ansprechend und klar gestaltet werden, während die Aufmerksamkeit des Publikums gezielt gelenkt wird.

Um ein harmonisches Bild zu erzeugen, wird einer Figur immer ausreichend Talking Room gegeben, selbst in Interview-Situationen. Wenn man einer Figur den Talking Room wegnimmt und sie gegen den Bildrand sprechen oder schauen lässt, wirkt die Figur bedrückt und eingesperrt.

Golden Ratio / goldener Schnitt

Der Goldene Schnitt ist ein Prinzip der visuellen Gestaltung, das auf der mathematischen Proportion basiert und eine ästhetisch ansprechende Komposition erzeugt. Im Film bezieht sich der Goldene Schnitt auf die Aufteilung des Bildes oder der Szene in harmonische Verhältnisse.

Der Goldene Schnitt wird erreicht, indem das Bild oder die Szene so aufgeteilt wird, dass das Verhältnis der kleineren zur größeren Teilstrecke dem Verhältnis der größeren zur Gesamtstrecke entspricht. Dieses Verhältnis wird oft als 1:1,618 dargestellt und kann durch verschiedene Linien oder Punkte im Bild erreicht werden.

Vorteile des Goldenen Schnitts im Film:

1. Ästhetik: Der Goldene Schnitt erzeugt eine visuell ansprechende Komposition, die als harmonisch und ausgewogen wahrgenommen wird. Die Platzierung von Objekten, Charakteren oder visuellen Elementen entlang der Linien des Goldenen Schnitts kann zu einer ästhetischen Verbesserung des Bildes führen.

2. Fokus und Aufmerksamkeit: Der Goldene Schnitt kann helfen, den Blick des Betrachters zu lenken und einen Fokuspunkt zu schaffen. Durch die Platzierung wichtiger Elemente entlang der Linien des Goldenen Schnitts können sie visuell hervorgehoben und die Aufmerksamkeit des Zuschauers auf sich ziehen.

Nachteile des Goldenen Schnitts im Film:

1. Strenge Anwendung: Die strikte Anwendung des Goldenen Schnitts kann zu einer zu statischen und vorhersehbaren Bildkomposition führen. Manche Filmemacher bevorzugen eine größere Freiheit und Kreativität bei der Gestaltung ihrer Bilder und ziehen es vor, sich nicht ausschließlich auf mathematische Proportionen zu verlassen.

2. Subjektivität: Die Wirkung des Goldenen Schnitts kann von Person zu Person unterschiedlich empfunden werden. Was für manche als ästhetisch ansprechend gilt, mag für andere möglicherweise nicht dieselbe Wirkung haben. Geschmack und ästhetische Vorlieben sind subjektiv und können variieren.

Objektiv

Brennweite

Die Brennweite im Film bezieht sich auf die Eigenschaft des Objektivs, die den Bildwinkel und den Vergrößerungsfaktor eines Kameraobjektivs bestimmt. Sie wird in Millimetern angegeben und beeinflusst maßgeblich die Perspektive, den Bildausschnitt und die räumliche Wirkung einer Aufnahme.

Die Wahl der Brennweite hat Auswirkungen auf die visuelle Darstellung einer Szene. Eine kurze Brennweite kann eine größere räumliche Tiefe erzeugen und eine intensivere Verbindung zum Umfeld herstellen. Eine lange Brennweite kann den Hintergrund komprimieren und das Hauptmotiv isolieren. Die Brennweite kann auch die emotionale Wirkung einer Szene beeinflussen, indem sie die Nähe oder Distanz zum Geschehen verstärkt.

Depth of Field / DOF

Das Depth of Field im Film bezieht sich auf den Bereich der Bildtiefe, in dem Objekte scharf und deutlich erkennbar sind. Es beschreibt, wie viel von der Szene in einem bestimmten Bereich des Bildes scharf abgebildet wird, während der Rest unscharf oder verschwommen erscheint.

Das Depth of Field wird durch die Wahl der Blende, der Brennweite des Objektivs und der Entfernung zum Motiv beeinflusst. Eine große Blendenöffnung (kleine Blendenzahl wie f/1.8) erzeugt eine geringe Tiefenschärfe, wodurch nur das Motiv im Vordergrund scharf abgebildet wird und der Hintergrund unscharf wird. Dies wird oft für Porträtaufnahmen verwendet, um das Hauptmotiv hervorzuheben und eine ästhetische Trennung zwischen Vorder- und Hintergrund zu schaffen.

Eine kleine Blendenöffnung (große Blendenzahl wie f/16) erzeugt eine größere Tiefenschärfe, bei der sowohl das Motiv im Vordergrund als auch der Hintergrund scharf abgebildet werden. Dies wird oft für Landschaftsaufnahmen verwendet, um eine detailreiche Darstellung der gesamten Szene zu ermöglichen.

Das Depth of Field kann eine wichtige gestalterische Entscheidung sein, um den Fokus auf bestimmte Elemente im Bild zu lenken und eine bestimmte Atmosphäre zu erzeugen. Ein geringes Depth of Field kann Intimität, Konzentration und Trennung hervorrufen, während ein großes Depth of Field eine größere räumliche Tiefe und Kontextualisierung ermöglicht.

Willst du mehr über die Blende erfahren? Schaue dir das Video zur Blende der Videoreihe Filmen leicht gemacht an.

Kreative Komposition

Balance - Wes Anderson

Die Balance im Film bezieht sich auf die Verteilung und Anordnung von visuellen Elementen innerhalb eines Bildes oder einer Szene, um ein harmonisches und ästhetisch ansprechendes Gesamtbild zu schaffen. Ein Regisseur, der für seine besondere Aufmerksamkeit für die Balance bekannt ist, ist Wes Anderson.

Wes Anderson ist für seinen akribischen Einsatz von Symmetrie und geometrischen Mustern in seinen Filmen bekannt. Durch die sorgfältige Platzierung von Objekten, Charakteren und Farben in seinen Bildern schafft er eine visuelle Balance, die eine einzigartige Ästhetik erzeugt.

Ein Beispiel für die Balance in Wes Andersons Filmen ist seine Verwendung von symmetrischen Bildkompositionen. Er neigt dazu, seine Szenen so zu inszenieren, dass sie perfekt in der Mitte geteilt sind, wodurch ein Gefühl von Gleichgewicht und Harmonie entsteht. Dies kann sowohl bei statischen Einstellungen als auch bei Kamerafahrten beobachtet werden.

Darüber hinaus verwendet Anderson eine präzise Farbpalette, um die visuelle Balance in seinen Filmen zu unterstützen. Oft wählt er eine begrenzte Anzahl von Farben, die sich in verschiedenen Elementen des Bildes wiederholen, wie zum Beispiel in Kostümen, Dekorationen oder Hintergründen. Dadurch entsteht eine visuelle Einheit und ein Gefühl der Ausgewogenheit.

Die Balance in Wes Andersons Filmen hat den Effekt, dass die Zuschauer in eine ästhetisch ansprechende Welt eintauchen, in der jedes Detail sorgfältig platziert ist. Dies kann eine gewisse Ruhe und Harmonie vermitteln, aber auch eine gewisse Künstlichkeit und stilisierte Atmosphäre erzeugen.

Center Framing

Center Framing im Film bezieht sich auf die Platzierung des Hauptmotivs oder der zentralen Elemente im Zentrum des Bildausschnitts. Bei dieser Kompositionsweise wird das Motiv genau in der Mitte des Bildes platziert, sodass es symmetrisch und ausgewogen wirkt.

Der Einsatz von Center Framing kann verschiedene Wirkungen erzielen. Hier sind einige mögliche Aspekte:

1. Betonung der Stabilität: Durch die zentrale Platzierung des Motivs im Bild entsteht ein Gefühl der Stabilität und Ausgeglichenheit. Es erzeugt eine visuelle Ruhe und Symmetrie.

2. Hervorhebung der Bedeutung: Das zentrale Motiv zieht automatisch die Aufmerksamkeit auf sich. Dadurch wird dem Motiv eine erhöhte Bedeutung und Relevanz zugeschrieben.

3. Einschränkung des Blickfelds: Durch die Zentrierung des Motivs kann der Rahmen enger wirken und das Blickfeld des Zuschauers auf das Wesentliche beschränken. Es kann eine gewisse Intimität oder Fokussierung auf das Motiv erzeugt werden.

4. Symbolische Bedeutung: Center Framing kann symbolische Konnotationen haben, wie zum Beispiel Balance, Harmonie oder Zentralität.

Es gibt auch Variationen des Center Framing, wie zum Beispiel das asymmetrische Center Framing, bei dem das Motiv leicht verschoben und dennoch im Zentrum platziert wird. Diese Techniken können dazu beitragen, das Bild interessanter und dynamischer zu gestalten, während die zentrale Ausrichtung beibehalten wird.

Quadrant Frames

Das Quadrant Framing hat seinen größten Anklang wohl in der Serie Mr. Robot von Sam Esmail gefunden. In ihr wird es benutzt um den psychischen Zustand des Hauptcharakters, gespielt von Rami Malk, zu unterstützen, mit großem Erfolg.

Durch das besondere Framing wirkt Rami klein, hilflos, bedrängt und verloren. Ebenso ist das Quadrant Framing eine eher ungewohnte Art des Framings, wodurch der Zuschauer in eine ungewohnte und neue Situation geworfen wird.

Quadrant Framing im Film bezieht sich auf die Aufteilung des Bildes in vier Quadranten, um bestimmte Elemente oder Aspekte einer Szene zu betonen. Jeder Quadrant kann eine andere Bedeutung, Atmosphäre oder emotionale Wirkung vermitteln.

Hier sind einige Aspekte des Quadrant Framings und ihre möglichen Bedeutungen:

1. Oberer linker Quadrant: Dieser Bereich wird oft verwendet, um eine Figur oder ein Objekt einzuführen oder zu platzieren, das von besonderer Bedeutung für die Szene oder die Geschichte ist. Es kann dazu dienen, die Aufmerksamkeit des Zuschauers zu lenken und eine gewisse Dominanz oder Präsenz zu vermitteln.

2. Oberer rechter Quadrant: Dieser Bereich kann verwendet werden, um eine Verbindung zu herstellen oder eine Beziehung zwischen zwei Elementen herzustellen. Zum Beispiel könnte eine Figur im oberen rechten Quadranten platziert werden, während sich ein relevantes Objekt oder eine andere Figur im unteren linken Quadranten befindet, um eine Verbindung oder eine Wechselwirkung zwischen den beiden herzustellen.

3. Unterer linker Quadrant: Dieser Bereich kann verwendet werden, um eine gewisse Leere, Einsamkeit oder Unterlegenheit zu vermitteln. Indem wichtige Elemente oder Charaktere in diesem Quadranten platziert werden, kann eine gewisse Unsicherheit oder Schwäche ausgedrückt werden.

4. Unterer rechter Quadrant: Dieser Bereich kann verwendet werden, um eine gewisse Stabilität oder Ruhe darzustellen. Elemente, die im unteren rechten Quadranten platziert sind, können eine gewisse Sicherheit, Vertrauen oder eine harmonische Komponente in der Szene repräsentieren.

Das Quadrant Framing hat seinen größten Anklang wohl in der Serie "Mr. Robot" von Sam Esmail gefunden. In der Serie wird es erfolgreich eingesetzt, um den psychischen Zustand des Hauptcharakters, gespielt von Rami Malek, zu unterstützen. Durch das besondere Framing wirkt Rami Malek klein, hilflos, bedrängt und verloren. Das Quadrant Framing verleiht der Serie eine ungewohnte und neue visuelle Ästhetik, die den Zuschauer in eine andere Welt eintauchen lässt und eine besondere Atmosphäre schafft.

The 9 Shot Rule

The 9 Shot Rule ist eine Art Hilfestellung oder Anleitung um genügend B-Roll also Schnittbilder für eine Szene zu kreieren. Diese helfen dabei eine Handlung darzustellen oder schaffen Platz und Zeit für ein Voice-Over.

2x Establishing Shots 2x Wide Shots 2x Medium Shots 2x Close Up Shots 1x Unique Shot

Ein paar Tipps

1. Planung ist entscheidend: Bereite deine Shots im Voraus vor, indem du Storyboards oder Shot-Listen erstellst. Dadurch kannst du deine Vision besser umsetzen und effizienter arbeiten.

2. Nutze das natürliche Licht: Experimentiere mit verschiedenen Lichtquellen und Tageszeiten, um die gewünschte Atmosphäre zu erzeugen. Nutze auch Reflektoren oder Diffusoren, um das Licht zu kontrollieren.

3. Nutze die Rule of Thirds: Platziere wichtige Elemente deines Bildes entlang der Linien und Schnittpunkte des Rasters der Drittel, um visuelles Interesse und Balance zu schaffen.

4. Spiele mit der Tiefenschärfe: Nutze die Tiefenschärfe, um den Fokus auf bestimmte Elemente im Bild zu lenken und eine räumliche Tiefe zu erzeugen.

5. Bewegte Kamera mit Bedacht einsetzen: Bewegungen der Kamera sollten motiviert sein und zur Geschichte beitragen. Vermeide übermäßiges Wackeln oder unnötige Schwenks, die von der Handlung ablenken könnten.

6. Achte auf den Bildaufbau: Achte auf die Komposition deiner Bilder. Nutze Linien, Formen und Farben, um visuelles Interesse zu erzeugen und die Stimmung zu unterstützen.

7. Experimentiere mit Perspektiven: Spiele mit verschiedenen Kamerawinkeln und -höhen, um neue Perspektiven zu entdecken und eine visuelle Dynamik zu erzeugen.

8. Arbeite mit dem Set-Design zusammen: Kooperiere mit dem Set-Designer, um das visuelle Konzept zu verstärken und sicherzustellen, dass die Set-Elemente zur Geschichte passen.

9. Nutze Bewegungen zur Geschichte: Kamerafahrten, Schwenks und Zooms können eingesetzt werden, um Spannung, Dynamik oder Emotionen zu verstärken. Wähle sie gezielt und sparsam aus, um ihre Wirkung zu maximieren.

10. Teste und übe: Probiere neue Techniken und Stile aus, um deine Fähigkeiten zu erweitern. Experimentiere mit verschiedenen Kameras, Objektiven und Einstellungen, um deinen eigenen Stil zu entwickeln.

Licht

Kelvin / Farbtemperatur

Die Farbtemperatur wird in Kelvin (K) gemessen und beschreibt, ob eine Lichtquelle eher warm oder kühl erscheint. Je niedriger der Kelvin-Wert, desto wärmer und rötlicher ist das Licht. Je höher der Kelvin-Wert, desto kühler und bläulicher wird das Licht.

1. Niedrige Kelvin-Werte (unter 3200K):

   • Anwendung: Kunstlicht, Kerzenlicht, Sonnenuntergang
   • Beispiel: Eine romantische Szene am Abend, eine gemütliche Innenaufnahme mit Lampenlicht.

2. Mittlere Kelvin-Werte (3200K - 5600K):

   • Anwendung: Tageslicht, Glühlampenlicht
   • Beispiel: Normale Tageslichtszenen, Innenaufnahmen mit natürlicher Beleuchtung.

3. Hohe Kelvin-Werte (über 5600K):

   • Anwendung: Bewölkter Himmel, Schatten, Blitzlicht
   • Beispiel: Ein bewölkter Tag, Szenen im Schatten, Blitzlichtaufnahmen.

4. Extrem hohe Kelvin-Werte (über 8000K):

   • Anwendung: Blauer Himmel bei Tageslicht, künstliche Effekte
   • Beispiel: Science-Fiction-Szenen, künstliche oder übernatürliche Umgebungen.

Die Wahl der Farbtemperatur im Film hat einen starken Einfluss auf die Stimmung und Atmosphäre einer Szene. Wärmere Farbtemperaturen können eine gemütliche, romantische oder nostalgische Stimmung erzeugen, während kühlere Farbtemperaturen eher eine moderne, sachliche oder sogar unheimliche Atmosphäre schaffen können.

Es ist wichtig zu beachten, dass Filmemacher oft mit Farbtemperaturen spielen, um künstlerische Effekte zu erzielen. Zum Beispiel kann eine warme Farbtemperatur in einer sonst kühlen Szene eine emotionale Wärme hinzufügen, während eine kühle Farbtemperatur in einer warmen Umgebung eine distanzierte oder surreale Wirkung erzeugen kann.

8 Steps to Cinematic Lighting

Kontrast

Hell und Dunkel

Low Key Lighting

Das Low Key Lighting wird in der Fotografie und der Cinematographie unterschiedlich verstanden. In der Cinematography bezieht sich das Low Key Lighting auf einen dunkleren bzw. einen unterbelichteten Hintergrund, das Subjekt spielt dabei keine Rolle.

High Key Lighting

Das High Key Lighting bezieht sich im Gegensatz zum Low Key Lighting auf das Subjekt! Hier spricht man von einem gut oder leicht überbelichtetem Subjekt. Der Hintergund kann dunkler als das Subjekt sein, sollte aber immer noch ausgeleuchtet sein.

Silhouette

Bei der Silhouette spricht man von einem unterbelichtetem oder komplett schwarzem Subjekt! Der Hintergrund sollte dabei von leicht unterbelichtet bis leicht überbelichtet sein.

Normal Lighting

Bei allem was nicht in die zuvor genannten Kategorien fällt spricht man von normal Lighting. Dabei sollte das Subjekt jedoch gleich oder ein paar Stufen heller als der Hintergrund belichtet sein.

Diffusion

Negativ Fill

Negativfüllung (Negativ Fill) ist eine Technik im Bereich der Filmbeleuchtung. Es bezieht sich auf die Verwendung von dunklen Materialien oder Gegenständen, um unerwünschtes Licht von einer Szene abzuschatten oder zu blockieren. Im Film werden dafür sogenannte Floppys benutzt, welche wie feste, schwarze Flaggen aussehen. Diese benutzt man, um Kontraste zu steigern, unerwünschte Reflexionen zu minimieren und die Kontrolle über die Lichtstimmung einer Szene zu verbessern.

Im Allgemeinen wird Negativfüllung verwendet, um Schatten zu verstärken oder zu kontrollieren, indem man das Licht blockiert, das von einer Lichtquelle auf die Schattenseite eines Objekts fällt zum Beispiel das Gesicht.

Diese Technik wird meist bei Portrait- oder Detailaufnahmen verwendet. Besonders hilfreich ist diese Technik beim Arbeiten mit natürlichem Licht.

Light Pockets / Checkerboard

Sound

Farbe

Color Wheel